IDEA DE POSTMODERNIDAD 3.

Este nuevo pensamiento contemporáneo verá su influencia en el paradigma de la educación artística. Sobre el documental de la RD2 de la televisión danesa viene a remarcar la idea de que no podemos creernos todo lo que vemos, cuestionándonos las imágenes que percibimos en los medios. Tenemos que poner en tela de juicio aquello que se nos plantea si desconocemos su origen o, de otro modo, si nos intentan inculcar algo que está sujeto a juicio. La E.A no está respondiendo ante las demandas de cambios de la sociedad y está nos e refleja en ella, por tanto, no refleja la sociedad en que vivimos. Podríamos hacer un símil en que cabe la posibilidad de definirnos como personas con carcasas. Para llegar a una práctica educativa coherente debemos de crear una visión multidisciplinar que abarque estos temas que estamos tratando y, de esa forma, conseguir que el sujeto sea crítico con lo que le rodea.

Este nuevo paradigma en el que todo vale nos hace rebatirnos el concepto de arte ya que nos hace dudar sobre lo que es y no es arte. La consecuencia deriva en una nueva legitimación del arte en el que la crítica se centro en la figura del espectador y las imágenes ya no son fijas (deconstrucción).

Los cambio se observan también la E.A. centrándose en la aceptación de lo subjetivo, el conocimiento de la sociedad, cuestionar la actual E.A.,… fomentado una cultura deconstructivista. El modelo postmoderno explora la cultura de la sospecha para rebatir la educación artística en la que la política adquiere un papel que no le pertenece y por otro lado la inexistencia de los metarrelatos.

IDEA POSTMODERNIDAD 2

Como hemos comentado, las nuevas tecnologías hacen su aparición. Podemos encontrar es la representación de este fenómeno en el cine, la originalidad artística pasa a un segundo plano dando lugar a los efectos especiales para conseguir la atracción del espectador, es decir, pasamos del novum al modus vivendi. La búsqueda de estos efectos se convierte en el objetivo prioritario para conseguir un nuevo concepto en la relación obra-espectador. Este hecho es conocido como tecno-reproductibilidad.

Cine 3d

Otro concepto que también denota cierta importancia es la hiperrealidad. Ya no sabemos con franqueza si lo que vemos en el televisor o en el cine ha ocurrido de manera real o no. Esta abolición de lo real nos conduce a un estado de incertidumbre que nos crea ciertas dudas sobre si lo que vemos está ocurriendo realmente o es ficción. Claro ejemplo de ello lo encontramos en las nuevas películas que llegan a una aproximación tan exacta de la realidad que no conseguimos distinguirla.

Este nuevo paradigma estético se basa en dos conceptos fundamentales como son: un cambio en la dimensión productiva en la que cualquier persona puede acceder a las nuevas tecnologías y ser partícipes de estos hechos y segundo un cambio en la dimensión apreciativa. La concepción obra-espectador adquiere un nueva dimensión y este entra a formar parte de la obra.

IDEA POSTMODERNIDAD 1

Para hacernos una idea de lo que entendemos por postmodernidad o podemos llegar a entender es necesario saber de qué o de dónde procede. Pues bien, la modernidad es la etapa predecesora de la postmodernidad, se trata de un proyecto fundado por filósofos en el siglo XVIII en Europa. Su fundación se basa en la separación de las artes de la vida sagrada y cotidiana como establece Habermas.

Con el paso del tiempo, los avances en los diferentes campos hacen que veamos la cosas de un modo diferente de cómo se veía antaño, es en este apartado dónde podríamos decir que surge la postmodernidad. El modernismo era un movimiento que afectaba al conjunto de la sociedad, en cambio, la postmodernidad, se propone como una corriente estática (más ligada al campo específico de las artes).

CONCEPTO MUERTE DEL ARTE. SUPERMAN.

Cultura de masas, metarrelato, rizoma, simulacro, pensamiento débil, muerte del arte… son conceptos que están ligados a la postmodernidad y que de algún modo pueden servirnos para aproximarnos a su significado. Esta etapa surge para dar una explicación a los cambios que experimenta la sociedad.

DIDÁCTICA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA 2

• ¿QUÉ GRADO DE AFINIDAD MANTIENES CON LOS DISTINTOS PUNTOS DE VISTA DESARROLLADOS A LO LARGO DE LA HISTORIA DE LA E.A?


• REALIZA UNA CRÍTICA CONSTRUCTIVA DEL TEXTO TRABAJADO PLANTEANDO PROS Y CONTRAS DE LAS DISTINTAS ETAPAS.


• DESPUÉS DE LO LEIDO, CUÁLES SERÍAN LOS ARGUMENTOS PARA DEFINIR LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA CON EL PRESENTE.


• RESUME ESQUEMÁTICAMENTE DONDE SE CONTEMPLEN LAS IDEAS PRINCIPALES.
  

La E. A. ha ido cambiando a lo largo de la historia debido fundamentalmente al contexto que le ha tocado vivir en cada etapa.

En la Antigüedad, las primeras reflexiones para este campo comienzan con las figuras de Platón y Aristóteles. Se buscaba la utilidad y la belleza por encima de todo. La concepción de arte no sólo debe quedarse en estas características sino que debe abarcar un campo más amplio en el que conviva con otras muchas disciplinas.

En la Edad Media se da un paso importante ya que se convierte en un oficio y su práctica se da en talleres especializados. La persona se dedica a trabajar íntegramente como artista. Es muy importante el factor de un buen manejo de materiales y técnicas para llegar a un resultado satisfactorio de la obra, es decir, a la búsqueda de la percepción.
El sistema de enseñanza se basa en la imitación de la obra de profesionales de la materia. Es un método que se usa actualmente como por ejemplo en las escuelas y en los institutos. Esta imitación de obras de profesionales conduce a un aprendizaje de alguna forma condiciona y no da lugar a la experimentación personal desarrollando la creatividad de cada individuo, por tanto, es un aprendizaje condicionado y caduco.

Del Renacimiento al Romanticismo surgen las primeras academias con Vasari en 1563. Se imparte un aprendizaje más especializado y ligado también a la labor de un profesional. Podríamos decir de alguna forma que es un paso más de lo establecido en la Edad Media.
El sistema de aprendizaje parte del nivel más básico con figuras geométricas sencillas y a medida que evolucionamos el alumno va adquiriendo mayor destreza. Con este sistema tenemos que hacer referencia también a que es usado en la actualidad en las escuelas. Data del siglo XVI y estamos en el siglo XXI, por tanto, los continuos cambios producidos en la sociedad como avance deberían de haber estado ligados al aprendizaje.
Aquí surgen los primeros estudios teóricos acerca de las proporciones y perspectivas entre otras. Es interesante porque parte de las formas más sencillas y a medida que el alumno adquiere mayor destreza, el nivel se va complicando. Por tanto cabe destacar un recorrido secuencial pero que sigue con grandes carencias debido a que sigo teniendo como prioridad la búsqueda de la perfección. Supone un retroceso en la evolución del aprendizaje.

En la escuela del siglo XIX supone un gran cambio en la concepción de la E.A. debido a que entra a formar parte del curriculum de materias obligatorias. Esta organización del sistema educativo obliga a enseñar la materia a todos los alumnos y no sólo aquellos que quieran dedicarse al arte sino al conjunto de la población. Esto supone un nuevo paradigma en la escuela porque ya no sólo hay que formar a los alumnos sino que al aumentar considerablemente el número de estos también será necesario formar a más profesores que atiendan esta demanda.
Se produce dentro de un contexto social importante como son la revolución Francesa y la Independencia Norteamericana. La enseñanza de la E. A. se basa fundamentalmente en una gran carga geométrica y se ramifica en una parte artística y técnica.
Pestalozzi crea el primer manual de la E.A. en la infancia y se compone de tres láminas y Froebel confecciona un material didáctico para el jardín de infancia denominado “regalos y ocupaciones”. Estos hechos resultan de gran valor porque se empieza trabajar con los alumnos desde la infancia para un desarrollo como persona de los mismos.

En la primera mitad del siglo XX se descubre el arte infantil que es la manifestación que tiene la infancia de comprender el mundo. Se dan las primeras teorías educativas como método de comprensión de la mente infantil. Se producen nuevas investigaciones acerca de la psicología educativa y en los cuadros y pinturas dan lugar los movimientos artísticos de vanguardia.
En esta etapa se podría decir que hay un acercamiento a la mente del niño y se preocupa por cómo evoluciona prevaleciendo sobre los materiales y las técnicas. De este modo se compara la mente con una serie de fases evolutivas denominadas estadios argumentando que el dibujo crea en el niño un estímulo.

En la segunda mitad del siglo XX destacan dos figuras importantes Herbert y Lowenfeld con el estudio de la autoexpresión creativa. Esta investigación demuestra que lo prioritario en el aprendizaje se da en la persona en sí, no sólo en los conceptos y conocimientos sino en la misma persona. Resulta importante para el proceso de desarrollo personal cambiando la propia capacidad creativa del niño.

dibujo infantil

La INSEA surge en u seminario de E.A. en el marco de la UNESCO. Nace en París en 1954 y en él se propone una carta magna con tres puntos fundamentales como son: los conocimientos y técnicas para la profesión, desarrollo de la personalidad a través del arte y la información de las imágenes.
Arnheim afirmó “ver es pensar” y establece el lenguaje visual como un modo de conocimiento. Con Esiner llegamos a una reconducción de la autoexpresión creativa. En él se propone un proyecto educativo que abordan diferentes aspectos curriculares, así surge la DBAE.
Creo que la autoexpresión creativa se acerca de alguna forma a lo que podemos entender como el desarrollo personal del niño. La E. A. debe plantear una recopilación de todas etapas y tomar aquello que de valor a la misma. Es menester empezar por el desarrollo emocional del niño para que empiece a vislumbrar y a ser capaz de expresar sus sentimientos a través del arte pero posteriormente debe ir adquiriendo experiencia en la técnica a medida que vaya creciendo y el grado de complejidad aumente.

Niño dibujando

El arte es importante en la educación porque supone un modo de expresión que está patente de forma directa en nuestras vidas. Es necesario que esté ligado a la educación pero no debemos de olvidar que para comprender el presente y tantear el futuro será imprescindible conocer el pasado.

DIDÁCTICA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Ideas, métodos y ejercicios que han ido cambiando a lo largo de la historia debido a cambios y transformaciones en el arte, la educación y la sociedad.

ANTIGÜEDAD

La E.A. se orientaba hacia la utilidad y la belleza. Destacan la figura de Platón y Aristóteles

EDAD MEDIA

El aprendizaje se centraba en los materiales y las técnicas, se consideraban como oficios manuales y las obras se realizaban en el taller de trabajo. Se buscaba la perfección de la obra incluso antes que la originalidad o la innovación estilística. La imitación de la labor de un profesional era considerada como la mejor manera de aprender estos conocimientos.

DEL RENACIMIENTO AL ROMANTICISMO

En 1563 Giorgio Vasari funda la academia de dibujo en la ciudad de Florencia. Poseía una orientación especializada y profesional y el aprendizaje estaba muy secuenciado. Se comenzaba con la copia de láminas de nociones básicas geométricas, después se pasaba a pequeños dibujos y posteriormente a partes de cuerpo, bajorrelieves, estatuas,… Cabe destacar en esta etapa la aparición de los primeros estudios teóricos sobre perspectivas y proporción.

ESCUELA DEL SIGLO XX

El dibujo se incluyó entre las materias obligatorias, el problema reside entonces que ahora no sólo se enseñaba dibujo a los artistas sino al conjunto de toda la población. En este contexto social destacan hechos como son la Revolución francesa y independencia Norteamericana. La orientación en esta etapa del dibujo se divide en dos vertientes: artística y técnica.
Pestalozzi diseña el primer manual de E.A. para la infancia. Se basa en tres láminas. La palabra, el número y el dibujo.
Froebel confecciona un material didáctico conocido como regalos y ocupaciones para el jardín de infancia. Se compone de diez elementos: el primero son 6 pelotas de lana con los colores primarios y secundarios, el segundo tres objetos de madera (esfera, cubo y cilindro), del tercero al sexto son bloques cúbicos que van disminuyendo de tamaño, el séptimo son tablillas de madera con diferentes formas y colores, el octavo unos palillos de madera para dibujar, el noveno otros palillos pero con formas curvas y el décimo una pizarra o un papel cuadriculado para comparar los tamaños de los objetos.

Regalos Froebel

LA PRIMARIA MITAD DEL SIGLO XX: DSCUBRIMIENTO DEL ARTE INFANTIL.

Se consideran las primeras teorías evolutivas en la educación estudiando la mente humana. Coge importancia la etapa infantil para comprender el mundo. Innovación en cuadros y dibujos con la parición de los primeros movimientos artísticos.

SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX: AUTOEXPRESIÓN CREATIVA

Destacan las figuras de Lowendeld y Herbert en el desarrollo de la autoexpresión creativa. Aquí se contempla la importancia de la persona y como a través del arte se aprende a ser persona. El proceso de desarrollo personal es fundamental y se defiende la capacidad creativa.

INSEA

En 1951 UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura) se celebro en seminario de educación artística en Bristol. Una de las conclusiones fue la creación de la INSEA (International Society for Education throught Art), comenzó en París en 1954 y se creó una carta magna en la que propusieron tres argumentos basados en: los conocimientos y la técnica, el desarrollo de la personalidad y la multiplicación de las imágenes.

EL LENGUAJE VISUAL COMO MODO DE CONOCIMIENTO

Arnheim pertenecía al grupo de la “Gestalt” y afirmó “ver es pensar”, las obras visuales constituyen un modo de conocimiento. También se afirmaba que las artes visuales son un lenguaje. La importancia social de los medios justificaba el interés para el currículo escolar, de aquí se deduce el paralelismo entre el lenguaje visual y el lenguaje verbal.

EISNER: LA REVISIÓN DE LA AUTOEXPRESIÓN CREATIVA.

Eisner es una de las figuras principales en la actual concepción de la E.A. En 1970 promovió que la E.A. debería de abordar diferentes aspectos curriculares. Estos proyectos no tuvieron gran repercusión pero destaca el conocido como DBAE

DBAE (EDUCACIÓN ARTÍSTICA BASADA EN LA DISCIPLINA)

Es un proyecto educativo y curricular para la educación artística. El objetivo fundamental es desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte. La estructura se divide en cuatro contenidos o disciplinas: la estética, la crítica de arte, la historia del arte y las diferentes modalidades artísticas. Las obras de arte deben ocupar un lugar central en el currículo. Esta se debe organizar de tal forma que vaya aumentado su complejidad y cantidad, así como el nivel de comprensión y destreza creativa. Los alumnos deben de ser capaces de comprender y debatir la cultura en la prensa. La DBAE redefinió algunos conceptos básicos como por ejemplo creatividad entendiéndola como la capacidad de dar respuestas innovadoras y se fomenta a través del conocimiento en profundidad de las mejores obras de arte.

UNIDAD DIDÁCTICA

El ejercicio que se propone es QUÉ y CÓMO elaborar una unidad didáctica destinadas a los alumnos del máster de secundaria. El tiempo de duración es de 90 min y la conclusión que hemos llegado tras realizarlo en pareja es la siguiente:

Una unidad didáctica es una forma de desarrollar el proceso de enseñanza-aprendizaje a través de una serie de recursos con una coherencia y duración determinada. Se compone de:

·Introducción: este apartado se descompone a su vez en contexto y fundamentación.

o Contexto: se trata de una ubicación geotemporal concretando un sitio y un lugar dónde se va a desarrollar la unidad.

o Fundamentación: aquí desarrollaremos la presentación del mismo y una justificación tanto legal como didáctica. Actualmente nos remitiremos legalmente al RD 1631/2006 de 29 de diciembre que establece las enseñanzas mínimas correspondientes a la ESO.

· Competencias: trataremos de alcanzar los conocimientos, destrezas y actitudes necesarios para que el alumno llegue a su desarrollo personal. El alumno deberá ser capaz de del desarrollo una unidad didáctica y el conocimiento de los elementos del cual se compone la misma.

· Objetivos: los objetivos son las capacidades que el alumno debe desarrollar al finalizar la unidad. Se dividen en generales y específicos.

o O. Generales: serán los mínimos establecidos.

§ Intentar que el alumno logré profundizar en una temática dada.

o O. Específicos: serán los relacionados con la temática.
§ Conocer los elementos del cual se compone la unidad didáctica.
§ Desarrollar una unidad didáctica.

· Contenidos: son los instrumentos para alcanzar los objetivos expuestos anteriormente. Se distribuyen en conceptuales, procedimentales y actitudinales.

o C. Conceptuales: Constitución de una unidad didáctica que se compone una introducción, unos objetivos, unas competencias, unos contenidos, una metodología y una evaluación.

o C. Procedimentales: explicación de los procesos de la temática, elaboración de la unidad didáctica y exposición de la misma.

o C. Actitudinales: se valorará la actitud del alumno y su disposición para llevar a cabo este ejercicio, la capacidad de trabajar en grupo, interés por buscar soluciones a los ejercicios y actividades planteadas.

· Metodología: es la encargada de organizar el proceso de enseñanza-aprendizaje de la temática, así como la secuenciación de las actividades exponiendo los materiales y recurso con los que vamos a contar. Disponemos de 90 min.

o Con la ayuda del cañón-proyector daremos unas nociones básicas para saber en qué consiste la U.D. (30 min.)

o Dividiremos la clase en pequeños grupos de 4 o 5 personas en el cuál tendrán que desarrollar una unidad didáctica general diciendo de que partes se componen. (30 min.)

o Se expondrán los ejercicios desarrollados por los alumnos en la clase para saber las impresiones de cada uno y llegaremos a unas conclusiones finales. (30 min.)

· Evaluación: no se trata de evaluar unos contenidos conceptuales fundamentalmente sino que tendremos en cuenta varios aspectos como son los diferentes tipos de contenidos así como la observación directa del trabajo en grupo, la realización del ejercicio… En cuanto a los criterios de evaluación será un ejercicio de clase que se entregará al profesor o se colgará en el blog de la asignatura.

SEIS SOMBREROS PARA PENSAR

Se trata de un ejercicio diseñado por De Bono en 1985. Este nos ayuda pensar un problema y resolverlo desde diferentes perspectivas. Cada sombrero representa una forma de pensar y cada persona del grupo se colocará de forma que cada uno adopte un rol diferente. Este método promuevo un intercambio fluido de ideas en la que cualquier persona puede contribuir. Con ello conseguimos fomentar un pensamiento paralelo en toda su amplitud separando el ego del desempeño.

gráfico seis sombreros para pensar


Así distinguimos los siguientes colores:


BLANCO: describe los hechos aportando neutralidad.
ROJO: usa un perspectiva emocional y sentimental.
NEGRO: se encarga de aportar la lógica y el juicio, pendientes de aspectos negativos.
AMARILLO: Pensamiento positivo y optimista.
VERDE: genera nuevas ideas aportando creatividad.
AZUL: organización y gestión.


Utilizaremos este ejercicio para abordar la temática de QUÉ y CÓMO dar una clase de Arte Contemporáneo en la Educación Plástica y Visual. Tenemos una duración de 12 horas y el alumnado es de 1º de ESO. De esta manera, tras realizar el ejercicio hemos obtenido el siguiente resultado.


1 semana= 2h (6x2=12h.) duración 6 semanas


SESIONES:

1) Primera sesión de nociones básicas acerca del arte contemporáneo apoyados con imágenes para introducir al alumnado a este campo.(6 horas)

2) Realizar una acción colectiva en el patio previamente planificada por el profesor para usar la práctica como metodología de enseñanza y que muestren un mayor interés con este ejercicio físico.(1 hora)

3) Otra sección teórica pero profundizando en conceptos también apoyado con imágenes. (2 horas)

4) Realizar visitas culturas a museos aprovechando las nuevas tecnologías de tal forma que podamos hacerla de forma virtual incluso. (1 hora)

5) Propuesta de trabajo en grupo para un aprendizaje significativo realizándolo la mayor parte en casa. ( 1 hora)

6) Visita a la exposición BIACS para acércalo de forma más directa al alumnado. (3 horas)

7) Sesión de trabajo en clase para resolver dudas acerca de los trabajos planteados para casa. (1 hora)

8) Exposición común de todos los trabajos por parte de todos los alumnos llegando a unas conclusiones para cerrar el bloque, a modo de sesiones críticas.(2 horas)